Retrospektiv: filmerna från Werner Herzog

Få filmskapare har haft en så varierad eller färgstark karriär som Werner Herzog. En man som Francois Truffaut, som borde känna, en gång kallade ”den viktigaste filmregissören i livet”, har Herzog slog ut klassiker, både i den fiktiva och dokumentära världen, i över 40 år nu. Kanske fortfarande mest känd för sitt stormiga förhållande till Klaus Kinski, med vilken Herzog producerade många av sina allra bästa filmer, regissörens oeuvre går långt utöver dessa fem, från mindre klassiker till ögonöppande dokumentärer, från klassiker i tysk film till en stjärna- driven remake av en Abel Ferrera-film.



Historierna bakom kulisserna är nästan lika välkända som hans filmer. Ingen annan regissör skulle satsa med den dokumentära filmskaparen Errol Morris att om den senare avslutade och visade sin produkt 'Gates of Heaven', att han skulle äta sin egen sko - och ändå gjorde Herzog inte bara satsningen utan följde igenom när Morris vann : handlingen fångas i den dokumentära korta, helt enkelt med titeln 'Werner Herzog äter sina egna skor.' Ingen annan regissör, ​​i mitten av en BBC-intervju, kunde skjutas av en okänd anfallare med en luftgevär, bara för att avfärda händelsen och säger, på riktigt Herzog-ian-sätt, ”Det är ingen betydande kula.” Och när Joaquin Phoenix välter sin bil i Los Angeles 2006, vem skulle den enda naturliga kandidaten vara mannen som räddade den excentriska skådespelaren? Werner Herzog.

Men det är hans filmer som alltid borde vara i framkant av diskussionen, och med Herzogs senaste, 3D-dokumentären 'Cave of Forgotten Dreams' som träffar teatrarna idag, och vi har utnyttjat möjligheten att titta tillbaka över hans långa karriär. Det nya projektet kanske är långt ifrån hans bästa arbete, men det finns en anledning till att Herzog respekteras mer än någon gång i sin karriär - hans arbete är en av de mest eklektiska och fascinerande som någon regissör kan ha. Kolla in det efter hoppet.



“; Även dvärgar började små ”; (1970)
Efter att ha satt sitt prägel på filmskapare som David Lynch, Crispin Glover och Harmony Korine, Werner Herzogs hårda 1971, svarta och vita fängelse allegori, med en grupp tyska dvärgar, förklaras nu som en mardröm, utomstående mästerverk. Men vid frisläppandet rasade det kritiker som kände att regissören utnyttjade sina undersåtar och avbildade djurens grymhet av cockfighting och apa korsfästelse (nej, verkligen) av vad som tycktes vara ingen god anledning. Bilden blev hälen på sin framgångsrika debutfilm 'Signs Of Life' (1968) och förvirrade och upprörda de som tidigare lovordade hans första verk. Som en konstig surrealistisk dröm och ändå delvis dokumentär i ton, centrerar ”Even Dwarves Started Small” en grupp institutionaliserade små människor, som gör uppror, försöker förstöra allt omkring dem medan institutets direktör håller en av sina mindre medlemmar som gisslan i hopp om uppror för att lugna. Kanske är den dementa spirtituella uppföljaren till Todd Brownings 'Freaks', den varaktiga och bisarra bilden fortfarande en av Herzgs personliga favoriter, och han säger att hans väl ansedda amazoniska mästerverk 'Aguirre: The Wrath Of God' är 'som en dagis i jämförelse. ”Med kannibalistiska kycklingar, misshandlade blinda små människor och en kamel som verkar dömd till oupplöselsen att knä eller stå,' Dvärgar 'kanske inte är chockerande av moderna standarder, men är fortfarande en spökande och kraftfull berättelse om nihilism, galenskap och raseri. [B]



“; Fairy Morgana ”; (1971)
Ständigt citeras som en systerfilm till den mycket bättre 'Lessons of Darkness', kan detta dokument om Sahara-öknen bara existera för att göra ett ärende för Herzog-personlighetens betydelse - något vi kan ta för givet nu, ser hans unika närvaro missbrukas i föråldrade Internetmeddelanden som någon form av förbättrad Chuck Norris. 'Fata Morgana' (som betyder mirage) har alla framställningar av ett typiskt magiskt Herzog-dokument - vackra spårningsbilder som förbättras av operatisk musik (plus enstaka tillfälle Leonard Cohen låt), konstiga ögonblick med ämnena, en poetisk berättelse - men det saknas en nyckelingrediens: filmskaparens energi utstrålas av hans lekfulla berättelse. I stället tas vi av rösten från den fransk-tyska filmkritikern Lotte Eisner, som läser regissörens musings som om hon är i andra klass och tvingas läsa sina läxor framför klassen. Detta, tillsammans med den utökade körtiden (även om 79 minuter inte alls är länge, han har varit känd för att regera dem mycket tidigare), gör att flickan blir lite tråkig att komma igenom. Fortfarande är bilderna vackra, och insikten i det närliggande samhället är penetrerande mänskligt. Det håller verkligen inte bra jämfört med hans senare biljettpris, men det betyder inte att det borde diskrediteras helt. [C +]

“; Aguirre, Guds vrede ”; (1972)
Det handlar aldrig om destinationen i en Herzog-film utan snarare resan. Och ingen nedstigning till galenskap har fångats lika noggrant på film ganska som den mentala uppdelningen som är Lope de Aguirres mörker. När den maniacal explorer hellbent på att hitta den förlorade guldstaden, ger Klaus Kinski en föreställning som drivs nästan helt av febern drömmar om en galning, eftersom hans unhinged conquistador leder sina anklagelser till nästan viss död, förföljer inte rikedom, men den absoluta kraften en man kan hålla i näven. Det var det första av flera nära dödliga samarbeten mellan den minnesvärda duon, men om du inte visste något om deras flyktiga förhållande, skulle du känna att den här filmen visar deras slutliga team-up. Skott på farliga verkliga platser i den peruanska regnskogen, “; Aguirre ”; känns mindre som en film och mer som upplevelsen av att gå på ett streck över trasiga skärvor av glas, push-and-pull mellan Herzog ’; s ensinnade absorption i elementen (åtföljd av en spökande Popol Vuh-poäng) och Kinski ’; s skrämmande timern för en föreställning som skapar en blixt i en flaska storhet som inget annat filmskapare-skådespelarlag kunde börja åstadkomma. [A +]

“; Enparma från Kaspar Hauser ”; (1974)
Det är en berättelse som berättas ganska ofta - den av det vilda barnet som finns i vildmarken, snart tämnad - men lämna det till Werner Herzog för att lägga till en helt ny snurr. Aldrig bedömande, Herzog ’; s strategi är att belysa sina skådespelare och karaktärer på samma distanserade, märkliga sätt. Kaspar Hauser, fastkedjad till golvet inuti en cell, lockas snart utanför, där kameran studerar både den här omhändertagna samhälleliga nykomlingen och cirkusen (både bokstavliga och figurativa) på samma nyfikna, besvärliga sätt. När Hauser utvecklas, blir han det sämsta inslaget i sin egen livsstil, eftersom Herzog ’; s fokus gör att Hauser ’; s förödmjukningar verkar vardagliga och aktiviteterna i den & civiliserade ”; vid en dans ännu mer frammedgjort. “; Enigma ”; verkar vara Herzog ’; s fascination för hur vissa standarder accepteras om de inte är förklarade, och hur vissa värden som vi ger till varandra för att visas “; normal ”; är godtyckliga och meningslösa, med Kaspar i mitten av det som slutar vara en auteur ’; s försök att rationalisera den irrationella världen som omger honom. [A-]

“; Hjärta av glas ”; (1976)
Vid det här laget kan många av regissörens bisarra metoder och berättelser om hans filmer vara mer kända än själva filmen. Så är fallet med 'Hjärtat av glas' - som ligger i 1700-talets Bayern, ett lokalt samhälle kastas i oordning när den enda glasblåsaren som håller hemligheten för att producera sitt livsblods 'rubinglas' försvinner. Den stora historien här är att Herzog, för att få transliknande uppträdanden av ett samhälle som sjunker till sinnessjukdom, sköt hela filmen med de flesta skådespelarna under hypnos. Men låt oss inte bli borttagna med processens bitar, låt oss fokusera på slutprodukten: även om den inte har det snabbaste tempoet, har hela filmen en konstig spänning genom den och kamerans fascination av glasprocessen blåser absorberar. Det finns också den vansinnigt mörka, humöriga filmbilden - det känns ibland som en skrämmande främmande planet, vilket gör Herzos 'Nosferatu the Vampyre' verkar lätt i jämförelse. Det är inte en perfekt film och definitivt grov runt kanterna, men den är, liksom de flesta av hans oeuvre, en unik upplevelse som inte finns någon annanstans eller någon annan. [B]

“; Stroszek ”; (1977)
Medan det tidiga arbetet med Werner Herzog tenderar att präglas av bisarra outréness ('Even Dwarves Started Small', 'Kaspar Hauser') eller galna-liknande föreställningar (Klaus Kinski-åren), är den tyska filmskaparens 'Stroszek' en relativt tyst , nyanserat och ganska effektivt drama om en trio av tyskar som försöker göra det i Amerika och snabbt lära sig möjlighetens land är inte bara belagt med guld för plockningen. Herzgs älskade Bruno S. (den idiot savant stjärnan i 'Kaspar Hauser'), spelar som Bruno, en före detta psykisk patient som faller in hos en prostituerad som misshandlas av hennes hirsute pimps. Även om han slår för att hålla ett sällskap med henne, Bruno, Eva (Eva Mattes) och en gammal man bestämmer sig för Amerika för att undkomma sina elände, men snart tappas avskärmningar, konkurs och livets verklighet. En mörk och pessimistisk kommentera illusionen av den amerikanska drömmen, 'Stroszek,' är fortfarande en empatiskt framställd kronik av hopp och drömmar strömmade, och till slut, den komiska absurditeten för allt. [B +]

“Nosferatu The Vampyre” (1979)
Remakes har alltid ett stigma kopplat till dem innan de till och med går ut genom dörren, med fans som håller vissa filmer tätt vid sitt bröst som om de var känsliga, värdefulla avkommor. Om det fanns en produktion som inte bara var helt borta från dessa känslor, utan istället lutades av spänning, skulle det vara denna Werner Herzog / Klaus Kinski-led. Tar ledtrådar från MurnauFilmens klassiker gör sitt eget mästerverk genom att försumma källmaterialet 'Dracula' och öppna den tysta filmen för att se vad som fick den att fungera. Denna nyare version innehåller samma förutsättning efter fastighetsmäklaren Jonathan Harker (Bruno Ganz) på sitt besök för att träffa greven Dracula (Kinski) för att lösa en fastighetsförsäljning. Efter några störande mardrömmar (också delad av sin fru Lucy, spelad av Isabelle Adjani, hemma), upptäcker Harker att han är en vampyr och kommer att använda landet för att reekera terror i omgivningen. Tyvärr tar Dracula igång på natten för att göra anspråk på sin nyinköpta mark, vilket lämnar Harker fast i slottet och alla andra helt sårbara. Herzogs kraftfulla styrning av materialet höjer det över din vanliga vampyrpris, vilket gör att de underbara orterna i Tjeckoslovakien och Nederländerna kan sluka varje ram. Berättelsen berättas både tyst och avlägset med en överström av förskräckt rädsla, något som omedelbart knäpps när Kinskis säkra besittning av Dracula smyger på skärmen. En mycket framgångsrik förening mellan en genrebild och ett epos, 'Nosferatu the Vampyre' är en så uppslukande och tillfredsställande upplevelse att det gör regissörens nyare, mer satiriska romps som mer besvikelse. [A]

“Woyzeck” (1979)
En överraskande trogen anpassning av George Büchners spel (eller så trogen som du kan vara för en pjäs som bara överlever i fragment, som kan framföras i mer eller mindre valfri ordning), fotografering på 'Woyzeck' började bara fem dagar efter filmning inslagna på 'Nosferatu The Vampyre,' och utmattningen visar verkligen på sin stjärna Klaus Kinski (en sista minuten-byte för 'Kasper Hauser' s Bruno S) - skådespelaren kanske har specialiserat sig på galenskap, men han ser aldrig riktigt så nära kanten som han gör här. Men på något sätt verkar Herzog inte cowed - filmen togs på bara 18 dagar och redigerades på 4, och den takten återspeglas i den färdiga filmen, som är en av regissörens snabbaste och tätaste. Men det är tyvärr inte en av de bästa. Föreställningarna är verkligen slående - Eva Mattes vann förtjänst Bästa stödjande skådespelerska i Cannes för sina föreställningar som Woyzecks älskarinna - men filmen är en slav till sin form, som aldrig helt undgår en viss svag kvalitet, samtidigt som den inte verkligen gräver in i hjärtat av spela. Som alltid med regissören är det emellertid aldrig ointressant, och även om det kan vara ett mindre verk har det mycket att rekommendera - särskilt det oförglömliga slutet. [B-]

“; Fitzcarraldo ”; (1982)
Från cast sjukdom, omarbetningar (Jason Robards och Mick Jagger var ursprungligen lederna), omskott, budgetbrister, 'Fitzcarraldo' måste ha varit en av de svårare filmbilderna, särskilt med tanke på att den linsade i den oförutsägbara peruanska djungeln och spelade en ännu mer oförutsägbar Klaus Kinski som Brian Sweeney Fitzgerald, AKA Fitzcarraldo. Historien bakom den är en man som trots att han är penniless, är besatt av att bygga ett operahus i den amazoniska djungeln och är en berättelse som till synes skräddarsys för dess regissörs egna upptagen. Det faktum att det rörde sig om ett 300-ton ton fartyg upp och över ett berg utan hjälp av specialeffekter var bara en bonus och är idag en av de mest ökända uppgifterna i filmhistoria - och ett annat fall där Herzog trotsar naturen, och sunt förnuft, i strävan efter sin egen vision. Parallellerna mellan huvudpersonen och Herzog är omöjliga att ignorera eftersom de båda delar ett orubbligt engagemang för till synes omöjliga sysselsättningar. Kinski sätter in en av sina mest charmiga föreställningar som den entusiastiska och uppriktiga Fitzcarraldo, som lägger anbudsnoter, till sitt obsessiva företag mot oddsen. 'Fitzcarraldo', visar det sig, är Herzog & ss egen stil av mash-not till tvångsmässig kärlek och fortsatte att vinna honom ett pris för bästa regissör på filmfestivalen i Cannes. [A]

spektionsöppningsscen

'Green Cobra' (1987)
Det sista samarbetet mellan Herzog och Kinski, och filmen som slutligen upplöst deras alltid stormiga förhållande, är också det minst berömda och det minst kända - det släpptes inte ens i USA förrän 2007, anmärkningsvärt. Men det är något av en dold pärla bland deras team-ups. Baserat på Bruce Chatwins roman 'The Viceroy of Ouidah', är det mycket en följeslagare till 'Aguirre' och 'Fitzcarraldo', som kastar Kinski som en brasiliansk runer-vände-outlaw som blir involverad i slavhandeln i Afrika. Som alltid är stjärnan extraordinär, även om han är speciellt obehindrad här, och är på väg att bli en animalistisk naturkraft ibland, och ibland matchar Herzog honom i gonzo-insatserna - rusningen av bilder, någonstans mellan en spaghetti western och ' Apocalypse Now, ”är brutalt men ändå vackert. Filmen vacklar så nära kanten att den ofta riskerar att velta, så den är aldrig riktigt lika tillfredsställande som dess tidigare motsvarigheter - handlingen sammanfaller aldrig riktigt, och även om den utan tvekan är den mest politiska av Herzogs filmer, känns en beröring när den berör slavhandeln. Men det finns också mer glans på skärmen här än i 90% av filmerna, och det förtjänar verkligen en ny utvärdering. [B +]

“; Lessons of Darkness ”; (1992)
Med en kort 40-minuterslängd är Werner Herzogs brännande oljefält-i-Irak-dok som en spirituell uppföljare till doktorn 'Fata Morgana' från 1974, men medan den dokumentären tenderar att dra, tar den i stort sett tysta tondikt en hypnotisk och meditativ kvalitet med skott efter skott av brinnande oljefält som rasar på och skjuter mot himlen, som en sotsvart djävul skapad av mänsklighetens förakt och ignorering för varandra. Eko-förespråkare behöver bara peka på detta dokument för att illustrera riskerna för krig och globala katastrofer. Ett fantastiskt ekstatiskt sanningsmoment är en sällsynt röst från Herzog, som uppstår eftersom de 'konsumeras av galenskap', brandmännen tänker på en av de oljeskaft som de har lagt ut. Ibland måste du kämpa eld med eld, men försök inte säga det till Herr Herzog. [B-]

“; Little Dieter behöver flyga ”; (1997)
Innan det fanns Christian Bale och 'Rescue Dawn', fanns det 'Little Dieter Needs To Fly', en dokumentär om Dieter Dengler, som Herzog, en tysk expat som migrerade till USA i post-decimerad WW2 Deutchland, för att uppfylla sina drömmar om att vara pilot. Dengler blev medlem i flygvapnet och till slut fick flyga när Vietnam rullade runt, dödades ned på sitt första uppdrag över Laos, överlevde och torterades och hölls som gisslan i ett POW-läger, innan han på ett mirakulöst sätt undkom. Hans upprivande och till synes omöjliga berättelse om överlevnad är en miljon, och det är inte konstigt att Herzog - som tydligt såg Dengler som en släktande anda - förvandlade sin erfarenhet till ett funktionslängd drama tio år senare som en hyllning till hans vän som dött i 2001, 62 år gammal. En strålande berättelse om straff och överlevnad, varav Herzog får Dengler att återuppleva genom att ta honom tillbaka till Laos och Thailand för att berätta om hans prövning, 'Little Dieter', är också ett absorberande och hoppfullt dokument om vilja att leva och styrkan att uthärda trots oöverstigliga odds. [B +]

“My Best Fiend” (1999)
Två decennier efter det sistnämnda dödet dominerar förhållandet mellan Werner Herzog och Klaus Kinski, som spelade i fem av regissörens film, fortfarande alla diskussioner om Herzogs karriär. De tog utan tvekan ut det bästa i varandra professionellt, men deras förhållande kunde mest generöst beskrivas som 'eldig' - i hans självbiografi kallade Kinski regissören 'en eländig, hatfull, ondskapsfull, förarglig, pengar-hungrig, otäck, sadistisk, förrädiska, fega kryp. ”I sin hyllning till sin frenemi hävdar Herzog naturligtvis att den litterära beskrivningen delvis var hans idé, samtidigt som han medgav att han allvarligt planerade att döda skådespelaren mer än en gång. 'My Best Fiend' är en konstighet - på platser, kanske bland Herzgs mest självutsläppande, rörande arbete, när han hyllar en man som han helt klart missar mycket, även när han visar bilder av Kinski som rantar och raving i skrämmande grad. Men det är också konstigt självbetjäning - ett fall av historia som skrivits av vinnaren, eller åtminstone av den sista mannen som lämnats levande, det känns tydligt ensidigt, och du känner att Kinski skulle snarare visna om projektet. Och försök eventuellt tända dig. Samtidigt är du kvar i vördnad för skådespelarens talang och hans galenskap, vilket utan tvekan var Herzows mål med projektet. [B-]

“; Wings of Hope ”; (2000)
En lite sedd TV-dokumentär från 2000, “; Wings of Hope, ”; förtjänar lika mycket uppmärksamhet som någon annan Werner Herzog-dokumentär och sedan en del, även om den tematiskt är mycket lik 1997 ’; s “; Little Dieter behöver flyga. ”; Perpetually dragit till den amasoniska djungeln, det verkar, ‘ Hope ’; återigen hittar Herzog i djupet i den sydamerikanska regnskogen för att dokumentera och återberätta en fantastisk och upprivande berättelse om överlevnad. Den här gången berättar den berättelsen om den tyska kvinnan Juliane Köpcke, den enda överlevande av den peruanska flygningen LANSA Flight 508 som kraschade i amazon 1971. Liksom 'Dieter' tar Herzog Köpcke tillbaka till djunglarna och platsen där planet kraschade - de hittar till och med rester av flygplanet - och hon återupplever, åtminstone i hennes sinne, hennes smärtsamma prövning. Resa 10 dagar till fots utan mat eller vatten, och med tappar som levde och festade i hennes snitt, kom Köpcke så småningom över en flod som tog henne till tre män som räddade henne. Det är visserligen väldigt likt i ton som 'Dieter', men om du inte såg den tidigare filmen först så kanske du var lika trollbunden och förundrad i slutet. Herzog verkar böja sanningar här och där ljudspårat till transcendenta musikstycken, men ögonblicken är så jävla djupa och vackra, det är svårt att argumentera med hans tekniker med så härliga resultat. [B +]

“; Invincible ”; (2001)
Sanningen betyder inte för Werner Herzog, som klokt följer de medfödda sanningarna i vår mänsklighet genom celluloid, även när han arbetar med ganska konkreta berättelser. Ett exempel på detta är återuppfinningen av det judiska Samson, Zishe Breitbart, inte som en betydande kulturikon från 1920-talet utan istället en betydande aktör i de växande spänningarna mellan det judiska och det nazistiska partiet, vilket stöter på tidslinjen för Breitbart ’. ; s död närmare Holocaust. Trots en ganska ytlig förändring belyser det detta både för Herzog ’: s uppfattning att Breitbart, en högväxt polsk starkman, var en gångande konstverk och idén att nazisterna dödade tusentals men också förstörde idéer. “; Invincible ”; har flera avtryck när den anmärkningsvärt fiffiga Herzog blir uttråkad med sitt ämne, inklusive ständiga omvägar till livet för den judiska kabaretägaren Hanussen (en diskret Tim Roth), och ett kort fokus på det lokala havslivet som fångar Breitbart ’; s fancy. Vi är ingenting om inte vattenlevande varelser, verkar Herzog argumentera, oförmögen att kontrollera vårt öde. [A-]

“The White Diamond” (2004)
Werner Herzogs farligaste filmer - som en man som konfronterar en björn som är farlig eller Nic Cage som kväver gamla kvinnor farliga - tenderar att samla de största folkmassorna, men egentligen är det Herzogs mer introspektiva frågor om människans komplicerade förhållande till naturen som kvarstår i vårt medvetande längst. Hans förtjusande och subtila konstiga arktiska reseskildring, 'Encounters at the End of the World', är ett bra exempel, och 'The White Diamond', en berusande underbar resa genom regnskogen i Guyana genom Jungle Airship, kan vara den bästa av hans dokument på 00-talet. Den kopplar ihop sin National Geographic-beredda djurlivsprofil med en verkligt personlig karaktärstudie; i detta fall är Herzgs galning som kämpar mot oddsen Dr Graham Dorrington, en flygingenjör som går ut på en resa till Guyanas Kaieteur Falls för att studera regnskogens tak. I Dorringtons ambition (blygsam jämfört med andra Herzog-protager) framkallar filmskaparen sitt klassiska tema om människans kamp för att uppnå symbios med naturen. Men det finns ett sorgligt tystnad (vilket framgår av det långvariga minnet om en bortgått vän) som är något sällsynt i Herzows oeuvre. Hans filmografi är också genomsyren av en skimrande skönhet som är lämplig för denna ofta förbisatta pärla i kanonen hos en av våra mest mångsidiga filmskapare. [A]

“Grizzly Man” (2005)
Werner Herzogs perverse, roliga, djupt rörande dokumentär om Timothy Treadwell, en granola-ätande, pressälskande naturfreak som vill bli upptagen, 'Jungle Book' -stil, i en familj av grizzly björnar. Även om detta kan vara uppsättningen för lite bisarra, men hjärtvärmande, naturdokument, är 'Grizzly Man' verkligen en trassel. Med Werner Herzogs liberala berättelse blir filmen mindre om en man som konsumeras med sin kärlek till naturen (och björnar), men mer en psykologisk profil av en man så ohälsosam att han skulle döda sig själv (och någon han älskade) genom en felaktig känsla av syfte . I detta sammanhang blir en kort scen med David Letterman som intervjuar Treadwell och skämt om att han en dag kommer att ätas av en björn bli en spöklik profetia. [A-]

“; Rescue Dawn ”; (2007)
Christian Bale ’; s utmattad tur i Brad Anderson ’; s “; Maskinisten ”; signalerade en vändpunkt för den skickliga skådespelaren, men tog också upp frågor om hur brutalt hans metod agerar. Herzog måste ha identifierat ett släktskap tidigt, eftersom han kastade Bale som Dieter Dengler i berättelsen om ett ämne som han ’; d hade bråkat tidigare med den riktiga Mr. Dengler 1997 ‘ Little Dieter Needs To Fly ” ;. Den resulterande filmen är en tillfällig slog, men när han skildrar fången av Dengler efter att ha skjutits ner och POW-relationerna, hittar Herzog en söt plats, som återigen undersöker hur män fungerar under extrema förhållanden. Bale träffar alla sina märken, men det är Steve Zahn (tillsammans med, i mindre grad, Jeremy Davies) som resonerar, levererar ett komplett om-ansikte från sina ofta doofus-sidekick-roller, för att avslöja Duane W. Martin, en känslomässigt fylld, men godhjärtad, man som strävar efter frihet tillsammans med Bale. [B]

“; möten i slutet av världen ”; (2007)
Herzog rensar upp allt ganska tidigt i 'möten i slutet av världen' - detta är ingen 'mars av pingvinerna.' I stället undrar Herzog i sin film “; Vem var de människor jag skulle träffa i Antarktis i slutet av världen? Vad var deras drömmar? ”; Dokumentet är också till synes belastat med Herzogs eviga sökning efter 'ekstatisk sanning' i dokumentär form. Filmerad med en liten besättning som endast består av Herzog och filmfotograf Peter Zeitlinger, 'Encounters' filmades nästan helt och hållet på flykten på några sju veckor. Stilen för filmskapande skapar en observationsdagbokstil snarare än något mer typiskt berättande driven - även om Herzog ’; s deadpan berättelse hjälper till att stränga den ihop. Även om några av de vackraste och mest poetiska ögonblicken hittas i de långa undervattensskotten - framträder några av de mest fascinerande stunderna från vandringsleden från de ovan jordbundna invånarna på den provisoriska McMurdo Station. Skildringen av forskarna - var och en som arbetar hårt inom sina respektive områden, svänger mellan att upptäcka nya arter och låta språk dö, allt i namnet på framsteg vid världens längsta spets - har en något obehaglig undertone att våra utforskningar kan påskynda slutet av världen, snarare än motsatsen. [C +]

“Bad Lieutenant: Port Of Call New Orleans” (2009)
Vi är inte säkra på varför den här filmen blev en känd celebre för hipsters (annat än deras förutsägbara förkärlek för ironiska föreställningar), men om den hade gått direkt-till-video och inte var regisserad av Werner Herzog skulle någon ens ha skitit ? Ja, det finns några tydliga Herzog-ian-kameratricks, några ut-och-ut WTF-ögonblick som är underhållande, och Nicolas Cage har inte varit så intressant på flera år (men när du har spenderat ett decennium med att göra en oändlig sträng av skit allt med ett gram integritet kommer att sticka ut). Men filmen i sig är ett ointressant polisförfarande, som känns som en hastigt kullerstenssam lönekontrollspel och den är så drastiskt ojämn, de två timmarna det tar att titta på den känns som en hel eftermiddag. Val Kilmer nyligen avslöjade hans roll var ganska mycket består bara så att han kunde starta i filmen och umgås med Herzog och Cage och ja, vi kunde lätt se det. Och när den största samtalspunkten Herzog kunde samla i intervjuer för filmen var att den levererades i tid och under budget och skott med ett minimum av tagningar, berättar det ganska mycket om allt du behöver veta om Herzgs näst närmaste flirting hittills med mainstream (efter “Rescue Dawn”). [C-]

“; Min son, min son, vad har du gjort ”; (2009)
Blanda David Lynch och Werner Herzog, så är du säker på att få något som kikar rakt in i mörkret. Som ett resultat är denna seriekomiska skräckbild, om en villfarlig man som utspelar det seminella scenspelet “; Oresteia ”; genom att mörda sin mor med en antik sabel, berör några mycket oväntade anteckningar. Herzog verkar mindre intresserad av otydlighet och genomskinligt ont i hjärtat av frågor, i stället fokusera på hur Mark Yavorsky ’; s handlingar skapade sin egen lilla sub-community, där polisen interagerar med en mängd människor som påverkade Yavorsky ’; s tidigare, unhinged dagar. Medan det aldrig kan finnas någon annan Kinski, trappar Michael Shannon beundransvärt upp i en föreställning som styrs av en andons intellektuella nyfikenhet, men hans platta ansiktsdrag kontrasterade mot den kanske mest uttrycksfulla panna i Hollywood, karaktärskådespelaren som förvandlas till en naturkraft framför oss. . Medan han kan vara avslappnad och dödlig, är det Shannon på hans mest avslappnade som verkar mest skrämmande, som om han är upprullad och bäst beredd att slå. Hur han kommer att slå till är Herzog: s listiga, glatt dement hemlighet. [B-]

Och låt oss inte glömma: Vad har vi utelämnat (rent av skäl till tid, utrymme och otillgänglighet)? Nåväl, det finns hans debut från 1968 ”Tecken på livet”, en berättelse om andra världskriget som etablerade intresset för mänsklig galenskap som Herzog skulle följa i stort sett hela sin karriär. Det finns den anmärkningsvärt humana 'Land of Silence and Darkness', en dokumentär som följer en grupp dövblinda, följt, tretton år senare, av hans nästa facklitteratur, 'The Dark Glow of the Mountains', som spårar en ambitiös bergsbestigning expedition, som visar att Herzogs studier av besatthet och galenskap inte skulle begränsas till hans fiktiva arbete.

Samma år förde 'Where The Green Ants Dream', en annan vagt antropologisk berättelse med 'Mad Max' -stjärnan Bruce Spence, som, mellan de likadana teman, men överlägsna 'Fitzcarraldo' och 'Cobra Verde,' har drivit till otydlighet. 1990-talet 'Echoes From A Somber Empire' tar en utan krusidokumentation på post-koloniala ämnen, med Herzog som tar en sällsynt baksida för journalisten Michael Goldsmiths erinrelser om hans tortyr i Centralafrikanska republiken, medan han återvände till bergsklättring nästa år för den fiktiva 'Scream of Stone', även om Herzog mestadels har förnekat den färdiga produkten.

1993: s 'Bells From The Deep' är en ganska fascinerande titt på rysk mystik, och legenden om den förlorade staden Kitezh, medan han riktade handen till buddhismen i 'Wheel of Time' ett decennium senare. Slutligen, 2005: s vetenskapliga konstighet 'The Wild Blue Yonder' är en av Herzgs mindre väl mottagna bilder från nyligen, men har åtminstone en fängslande föreställning från Brad Dourif, som har blivit något av en vanlig för regissören under de senaste tjugo år. - Oliver Lyttelton, Christopher Bell, Gabe Toro, Mark Zhuravsky, Samantha Chater, Kevin Jagernauth & RP.



Top Artiklar

Kategori

Recension

Funktioner

Nyheter

Tv

Toolkit

Filma

Festivaler

Recensioner

Awards

Box Office

Intervjuer

Clickables

Listor

Videospel

Podcast

Varumärkesinnehåll

Priser Säsong Spotlight

Filmbil

Påverkare