Claustrophobes behöver inte tillämpas: 16 filmer med en enda plats

En av de grundläggande principerna för filmskapare som lär sig och uppmuntras till filmskolan, åtminstone när de börjar, är att välja en enkel, idealisk plats med enkel inställning av praktiska skäl: budgetar och brist på det, tillstånd, kontroll, belysning lätthet osv. Om du är en bråkig filmstudent med lite medel, är det enklaste sättet att göra en film att ställa in den i en miljö där du idealiskt har total kontroll.



Nämligen; Quentin Tarantino ställa in sin heist-bild “Reservoir Dogs”I ett lager och visade aldrig faktiskt heist, utan istället valde att hålla insidan som en inre skjutning förutom några scener utanför som antagligen skjutits på dag eller två. Intressant nog av vår lista över de bästa filmerna med en enda plats, har nästan alla dessa filmskapare satt dessa filmer i en enda inställning efter kreativt val och inte för att de tvingades göra det. Metodiken bakom den är inte långt ifrån Jack White'S mindre-är-mer manifest inom vita ränder: tvinga dig att vara kreativt uppfinningsrik genom att subtrahera alla leksaker du normalt har till ditt förfogande och återgå till grunderna.

Danny Boyle'S'127 timmar”Träffar teatrarna idag i begränsad utgåva, och även om den inte strikt anges på en enda plats, ligger den stora majoriteten av filmen i en enda klaustrofob kanjon, med kanjon Aron Ralston instängd under en stenblock. Boyle använder varje trick i sitt filmiska ordförråd för att hålla situationen fräsch, men vi trodde att vi skulle undersöka hur andra filmskapare, från Alfred Hitchcock till, senast, 'Begravd'Director Rodrigo Cortes, har hanterat en enda plats.



“Rope” (1948)
I 'Rep, ”Baserat på det verkliga livet av Leopold och Loeb, två universitetsstudenter som trodde på Nietzsches Übermensch-teorin om mord som den ultimata handlingen om intellektuell överlägsenhet, kastar Alfred Hitchcock upp ett antal tekniska hinder på sitt sätt för att föra historien (baserad 1929 Patrick Hamilton spela) till den stora skärmen. Förutom den enda platsinställningen, en lägenhet, spelar Hitchcock filmen i (mer eller mindre) realtid (se solen ändra position utanför fönstret under hela filmen) och försöker presentera filmen som en oavbruten ta tack vare vissa smart redigering. Medan de tekniska gambiterna inte alltid fungerar och ibland är distraherande, kan den totala effekten &nsquo; t nekas. Med fantastiska huvudföreställningar av John Dall och Farley Granger som den mördande duon och den alltid pålitliga James Stewart som deras misstänksamma lärare, “; Rope ”; är ett onda roligt katt-och-mus-spel som höjer insatserna genom att hålla alla spelare i ramen under hela körtiden. I synnerhet är Dall en framstående som Brandon, en bunt med svindlande glädje i kombination med en pervers känsla av prestation medan Granger håller sin egen som den mycket nervösare och skuldriddare Phillip. Även om du vet precis hur deras perfekta brott ”; slutligen avslöjas, “; rep ”; är fortfarande jättekul att titta på. Den verbala sparring är utsökt och den streck av homo-erotik som går igenom filmen är anmärkningsvärd för sin tid. Inte många av de enskilda inställningsfilmerna på denna lista försöker lika mycket som Hitchcock jonglerar här, men för det mesta fungerar det, och ännu viktigare, historien blir snabbt mycket mer fascinerande än de nyheter som brukade berätta den. [B +]



“12 arga män” (1957)
Pedanter, ställ dig ner - medan filmen är bäddad med scener utanför, och badrummet visas kort, “; 12 arga män ”; är kärnan en film med en enda plats; allt av import händer, inneslutet i tid och rum, i ett svettigt, föga juryrum där de 12 manen med titeln skickas för att bestämma ödet för en man som anklagas för mord. Baserat på (och tydligen skiljer sig lite manusmässigt från) ett teleplay med samma namn, att filmen aldrig känner något annat än filmisk, trots dess TV-rötter och den avsiktliga teatraliteten i dess iscensättning (bevittna den vackra koreografin i det förödande ögonblicket då raserande rasist avslöjar sig, och var och en av sina kamrater en och en står och vänder ryggen) beror till stor del på de blåsande föreställningarna, marskalkade av en aldrig bättre Sidney Lumet under en svår prövningsprocess. Särskilt omnämnande måste gå till Henry Fonda, vars arbete här är ett mästerverk av underdrift och begränsad intelligens och främjar filmen från en meditation om liberalitet, rättssystemet och betydelsen av rättvisa (intressant) till ett starkt observerat uppsats om maktmekanikens och manipulationens (intressers). Ja, vissa av detaljerna kan verka trite nu - ett vittne GASP wasn ’; t bär hennes glasögon; en gammal man SHOCK drar benet - men oftare är det inte de & fakta fakta ’; som förändrar sinnen, istället bevisas varje man fel genom att utsätta sin hubris, partiskhet och smedighet för resten och för sig själv. Det här är kanske filmens mest anmärkningsvärda prestation; det är ett tornmonument till idén att den & vanliga mannen ’; är hjärtat bra och snäll - det är bara att han ibland behöver lite påminnelse. [A]

“Livräddningsbåt” (1944)
Alfred Hitchcock hade verkligen en slags masochistisk kreativ benägenhet för att sätta sina produktioner i extra utmanande situationer, som säga, inom ramen för en livbåt med excentrisk diva (och noterade trosskydd) Tallulah Bankhead. Kasta sedan in en fast bit av en primitiv benamputation för skojs skull! WWII-ensemblen bildade Oscar Noms för bästa regissör, ​​Bästa Original Motion Picture Story (av John Steinbeck), Bästa svarta och vita film (ge upp för spöken från Oscar-kategorier tidigare), och en hel mängd kontroverser för vad som betraktades som en propagandistisk skildring av en nazistkapten som hamnar ombord på livbåten. Den brokiga besättningen som kastas ihop efter ett passagerarfartyg och tyska U-Boat sjunker varandra utgör en liten modell U.N. av raser, trosbekännelser och nationaliteter, och alla måste lära sig att komma överens för att överleva - och inte alla gör det. Hitchcock presenterade sig själv för en utmaning med att filma den här filmen - att hålla ett gäng skådespelare i en livbåt mitt i havet ger inte en regissör så många visuella alternativ, men han iscensatte skådespelarna inom ramen på ett dynamiskt skiktat sätt , använde närbilder och skapade på mästerligt sätt ett helt universum inom båtens gränser genom att helt enkelt fylla ramen med karaktärer. Trots den lilla platsen känner filmen aldrig klaustrofobisk. Hitch lägger också till en annan berättande utmaning till sin platta genom att helt eliminera poängen (utom i början och slutet), låta publiken inte påverkas av musikaliska ledtrådar, lära sig vad de behövde veta från karaktärernas handlingar, Hitch ’; s oöverträffade kamerarbete och redigering, och det ödsliga dygetiska ljudet från havet som smällar mot skrovet. Alla filmare på en plats där ute: böj dig före din mästare. [A]

“The Breakfast Club” (1985)
Banan med högstadiums existens - bortsett från besväret och inte passar in - är internering, så det var typ av lysande för John Hughes att använda fysisk fängelse som en känslomässig metafor för ångesten och ångrar alla tonåringar, oavsett deras station i skolan , känna. Kanske inte så klaustrofobisk som vissa filmer på den här listan, 'The Breakfast Club' passar fortfarande räkningen eftersom bilden helt och hållet ligger i en gymnasium på den värsta dagen som möjligt för en tonåring: en lördag. Du har sett det, så vi behöver inte berätta mycket mer om denna 80-talsklassiker som tvingar en nörd, en jock, en utplacerad, en kriminell och en priss för att uträtta sina kollektiva frågor, men det är ett uppfinningsrikt premiss som uppenbarligen fungerade i spader. Det finns mycket ilska och tårar i dramedian när studenterna i filmen tvingas konfrontera sin rädsla och demoner, men i slutändan är det denna uppriktiga självanalys som lämnar dem, och vi tittaren, känner lite mer förstått i en värld som är i stort sett grym och oförlåtande. [A]

“Begravd” (2010)
Konceptet är enkelt: en man vaknar begravd levande i en kista och måste kämpa för sitt liv. Och för att vara säker, fick Ryan Reynolds-filmen mycket tidigt surr och värme för sitt ambitiösa föreställning som hittade skådespelaren på skärmen, av sig själv, för hela filmens längd. Och medan Reynolds bevisar sig ha förmåga att upprätthålla en heluva-närvaro för bildens körtid, är det synd att manuskriptet av Chris Sparling inte kan matcha energin från filmens huvudspelare. Plågas med frågan om Reynolds karaktär som har otroligt stark mobiltelefontjänst under jorden, blir manuset bara värre därifrån. I huvudsak 'Begravd ”; är 90 minuters telefonsamtal, och eftersom dessa karaktärer bara är röster för Reynolds att studsa av det blir det snabbt uppenbart hur tunt konstruerat hela företaget är. När man når någon berättande vikt, skiftar manuset till någon form av politiskt uttalande i sent stadium men det misslyckas med att övertyga. Regissören Rodrigo Cortes gör sitt bästa för att kreativt scenen av en film som spelas inom ett ytterst trångt utrymme, men det finns bara så många olika sätt du kan bilda Reynolds i en närbild. All rök och ingen eld, 'begravd' boxas sig bokstavligen i sig. [C-]

“Cube” (1997)
En övning i att göra mycket med lite, “; Cube ”; sköts på 20 dagar på en enda 14 &x14; r14; uppsatt för bara $ 365 000 CAD, men ändå skapade två efterföljande filmer (en uppföljare och en prequel) och ganska kultkulturen. Det är ett magert, absorberande arbete där den tydligt kafkaeske gimmick (en grupp främlingar vaknar upp i en mardrömsk kub bestående av ständigt skiftande och nästan identiska utseende rum, av vilka många är riggade för att döda), som i alla bästa sci-fi, existerar egentligen bara som en ursäkt för att hänge sig åt lite gammaldags filosofering och en del & Survivor-stilmakt spelar som tillfälliga allianser form och smuldra och människor visar sig vara inte vad de ser ut. Vi säger tycka om den bästa sci-fi, dock, även om det är bäst, “; Cube ”; kommer aldrig faktiskt dit; det tar varken hoppet till det verkligt konstiga och / eller vridna, som '2001' eller till och med “; Primer, ”; eller “; Pi, ”; men det ger oss inte heller några faktiska svar, och så faller det snarare mellan alla tillgängliga avföringar, med något ganska trist agerande och karaktärisering som gör att det inte kommer att bli ett “; Sunshine ”; -stil ensemble-stycke. Men naturligtvis är det mestadels jämförelser med filmer som hade många, många gånger kubens budget, så det är kanske kyrkligt till nitpick. Om inget annat, har vi det för att tacka ankomsten av en mycket lovande ny skräck- / sci-fi-direktör i Vincenzo Natali, som sedan dess har gett oss liknande “;Cypher”; och “;Splitsa”; (som vi gillade mycket) och är för närvarande kopplad till den sci-fi Holy Grail - en anpassning av William Gibson ”; s “; Neuromancer. ”; [B]

“Telefonbås” (2002)
Ett bevis på överlevnaden av det höga konceptet i Hollywood, manusförfattare Larry Cohen’; s tonhöjd för den här filmen höll sig på hyllan i drygt 40 år, efter att en gång har utvecklats av ingen annan än Alfred Hitchcock. Filmen hamnade i utveckling under det vaksamma ögat av en betydligt mindre begåvad filmskapare, en Joel Schumacher, bäst känd för att permanent sätta stopp för Batman-franchisen på 90-talet. Slutresultatet handlar precis om vad du förväntar dig, även om Schumacher kränker en övertygande huvudprestanda från en då otestad Colin Farrell (han hade tidigare arbetat med Schumacher i det som utgjorde regissörens bästa film på aughterna, 2000 ’; s Vietnams träningslägerdrama “; Tigerland ”;). Som singularly olycklig douchebag-publicist Stu Shephard, svettar, skriker och tårar vid glasfacket som han är permanent innesluten under det vaksamma ögat av en namnlös sprickskyttare (Kiefer Sutherland, som tillbringar nästan hela filmen sval och informerar Stu om hans förestående död genom voice-over och, överraskande, spikar det). Mellan de två männa står tillförlitlig rakpilt svart polisbetjäning arketyp kapten Ramsey (Forest Whitaker, alltid pålitlig och ger en viss grad av vördnad till en trött beståndskaraktär). Att förstöra plågor som Stu genomgår och om han någonsin kommer ut ur telefonkiosken i live skulle undergräva Schumachers grumliga dramatiska vändningar - när hela din film är en uppsättning, finns det bara så mycket gas du kan bränna ut innan saker bromsar ner till melass. Lyckligtvis “; Telefonbås ”; håller spänningen på upp-och-upp och förvandlas till en servicerad, ibland spännande och alltid bevakbar pannplåt-thriller med en unik gimmick som för det mesta slitnar mindre snabbt än du tänker. [B]

“; Libanon ”; (2009)
Det senaste “;libanon”; gör denna lista inte bara för att bokstavligen hela handlingen ses från en tankens utsiktspunkt, utan också för att denna enskilda plats används för att förbluffa effekten. Samuel Maoz & ss rekonstruktion av sina egna upplevelser som israelisk tankskyttare under kriget 1982 mellan Israel och Libanon äger rum (med undantag för de första och sista två skotten av filmen) helt inne i en israelisk tank som stöds av ett par fallskärmshoppare som flyttar in i fiendens territorium den första stridsdagen. Maoz stand-in, skytten Shmulik (Yoav Donat) förblir hållad i denna kontrast under filmen, tillsammans med sin besättning, ledd av en befälhavare som kämpar med sina mäns motstridiga personligheter. Du är utan tvekan bekant med uttrycket att när du lägger flera personer i ett rum under en lång tid kommer sömmar oundvikligen att sönderdelas och de kommer att slå. I “; Libanon, ”; tanken är knappt till och med ett rum och männen kommer antingen att leva eller dö vid dagens slut - och om inte i dag, så i morgon. Tanken ger skydd, men det är också en fälla, en som inte har någon väg ut, ingen nödutgång. Om tanken bränner, gör köttet också. “; Libanon ”; är boll-till-väggen-filmskapande och det bör ses, upplevas, om inte nödvändigtvis åtnjutit. [B +]

“Panikrum ”; (2002)
För hans uppföljning av det ursprungligen kritiska och kommersiella misslyckandet “; Fight Club ”; (vi vet alla hur den visade sig), David Fincher försökte ge den moderna thrilleren en injektion av anal-retentivitet som bara ett par visionärer i den här branschen kan mata ut. Med “; Panic Room ”;, beskriver Fincher noggrant utformningen av ett massivt radhus som kommer att bli belägrat av tre män med mycket olika temperamenter - den heta huvudet Junior (Jared Leto), den hängande busschauffören Raoul (Dwight Yoakam) och den självbelåtna även om samvetsgrann, säker cracker Burnham (Forest Whitaker, som mellan detta och “; Phone Booth ”; dominerade 2002-marknaden på auktoritativa svarta stödkaraktärer i slutna utrymmen). Spänningen i det här exempla platsexemplet kommer från Meg (Jodie Foster) och Sarah Foster (Kristen Stewart, som biter hennes läpp med det bästa av dem i ett tidigt exempel på den apatiska handlingen som skulle bära henne genomSkymning'Serie), en mamma och dotter vars enda olycka flyttade in på fel dag. Lyckligtvis har huset ett nyutvecklat 'panikrum ” ;, ogenomträngligt och fyllt med mat och kameror som undersöker huset. Problemet är det säkra som tjuvarna ser att spricka är i rummet och de har alla avsikter att komma in, förutom att spränga huset. Som regisserat av Fincher och (mestadels) skott av Conrad W. Hall (son till den sena stora Conrad L. Hall), “; Panic Room ”; är skumma, metodisk och underbar men inget mer utanför en knivskarp thriller med ett främmande koncept. En annan film som bevis på Finchers mikrohanterande virtuos teknik, “; Panic Room ”; är en otäck liten lark från filmskaparen, men lite mer. Fortfarande, i Finchers händer, sätter det filmhuvudet och axlarna över tävlingen. [B-]

“Min middag med Andre” (1981)
Bortsett från att säga, kan Hitchcocks målmedvetna experiment och personliga utmaningar (många av dem listas här) Louis Malles tidiga åttiotalets samtalsfest vara berättigande om enskilda inställningar. I själva verket är en 110-minuters konversation, 'Min middag med Andre,' exakt det, en utökad middag mellan två vänner som skjutits i realtid och diskuterade livets natur, teater och mer. Ämnen är den märkliga skådespelaren Wallace Shawn och hans vän och experimentella teaterregissör, ​​Andre Gregory. Gregory är en nyfikna drömmare medan Shawn är en mer cynisk typisk New Yorker, och även om det finns lite friktion i deras diskurs, gör deras subtila skillnader en absorberande dikotomi. Även om det också låter som att biografen verkligen har gått fel - och det i princip motsätter sig varje regel om filmskapande och manusförfattande 101 någonsin - är middagen med Andre absolut engagerande, klockbar och engagerande. Smaken Kriteriesamling satte inte ut det som en artefakt, de vill tjäna pengar på det också, du vet och de inser att det är en ständigt övertygande film (och mycket torrare grejer finns i deras varor - se singel-inställning clunker 'Secret Honor' av Robert Altman). Under måltiden berör Wallace och Gregory filosofiskt på ämnen som livets, existensens och teaterens natur, men alltid med en öppen och inbjudande nyfikenhet; det finns inga pedantiska svar eller postulering - det här är kollokst som bäst. 100 minuter senare när brödbrytningen är klar och vinet drickas, går vännerna sina olika vägar och publiken lämnar sig för att smälta de fundersamma ämnena som diskuteras. En konferens-buster i alla bemärkelser som trotsar nästan varje trope av spelfilmer och berättelser - det är inte en dokumentär i någon mening och starkt manus baserat på verkliga samtal mellan de två lederna - 'My Dinner With Andre' är den sällsynta och roliga regeln -brytare som varje filmälskare ska åtminstone se en gång. [B +]

“Bakre fönster” (1954)
En annan inställningsfilm, ett annat Alfred Hitchcock-mästerverk. Den här gången är inställningen ett lägenhetskomplex från Greenwich Village där en sommarvärmebölja i New York har fått lägenheterna att hålla sina fönster öppna. Otillfredsställd med att helt enkelt begränsa inställningen av sin film, presenterar Hitchcock sig en annan utmaning genom att begränsa filmens synvinkel till den för en enda karaktär: Jeff Jeffries (spelad av en perfekt gjuten Jimmy Stewart), en fotograf med ett trasigt ben fastnat i rullstol. Jeffries, som ibland besöks av sin sjuksköterska (Thelma Ritter) och hans flickvän (en trevlig Grace Kelly) som är begränsad till sin lägenhet, vänder sin uppmärksamhet mot de olika grannarna över gården från honom som han kan se genom sitt vardagsrumsfönster. Den ensamma kvinnan utan make. Den okonventionella konstnären. De förälskade nygifta. Den enda musiker som dricker. Det barnlösa paret som älskar sin hund. En kurvig balettdansör. Och naturligtvis paret som alltid kämpar. En dag försvinner fruen i det här förskräckta paret. Jeffries tittar på parets lägenhet från gränserna i sitt eget vardagsrum och ser monterande bevis på vad han tror kan vara hustruens mord på hennes make (Raymond Burr). Inställningen av lägenhetskomplexet blir snabbt Jeffries ’; världen när han besatt av att hitta fler ledtrådar. Samtidigt förlorar vi publiken oss i Hitchcock ekonomiska berättelser, där ingen enda detalj slösas bort. Titta över Jeffries ’; axlar genom Hitchcock ’; s långa bilder av lägenhetskomplexet vi söker efter ledtrådar i hopp om att hantera mysteriet. Och innan vi vet ordet av det, Jeffries ’; vardagsrummet har blivit vårt eget. [A]

“Tape” (2001)
Han är en stor teaterskådespelare, men på skärmen kan Ethan Hawke vara lite intetsägande. Om inte det är, han arbetar med Richard Linklater, för vilka Hawke ständigt ger sina bästa skärmprestationer. Och få är bättre än en han ger i 'Tape', Linklaters anpassning av Stephen Belber spela. Ställ in helt i realtid, utan att någonsin lämna det svagt ojämna motellrummet där det ligger, och spelar Hawke Vince, en småstads narkotikahandel för att tvinga sin äldsta vän Jon (Robert Sean Leonard, en annan teaterveteran som sällan används bra på skärmen ) att erkänna att våldta Vinces ex-flickvän, Amy (Uma Thurman) när de var yngre. Vändningarna spelar sällan efter dina förväntningar på karaktärerna, och för det mesta är Linklaters kameraverk, även om det inte är hans vackraste, engagerande, och för det mesta förhindrar filmen att känna sig för scenbunden. Men verkligen, som så ofta är fallet för en filmuppsättning på en plats, är det en skådespelers utställning, och alla tre stjärnorna har sällan varit bättre. Något av ett mindre experiment i regissörens kanon, men ett underskattat ändå. [B +]

“Deterrence” (2000)
Det finns en lång tradition av den klaustrofoba nukleära thrilleren från Sidney Lumets 'Felsäker'Till den nyare' Crimson Tide 'och' Thirteen Days ', men ingen har någonsin varit lika lika klaustrofobisk, åtminstone på plats, som Rod Lurie'Deterrence.' Den tidigare filmkritikern Luries regissedebut, den startade 2008 och ser en president på valspåret (Kevin Pollak) fångad i en matställe i Colorado av en snöstorm, medan mitt i en anfall av kärnvapen med ett Irak som drivs av Uday Hussein, som har invaderat Kuwait. Lurie håller spänningen igång mycket, men medan den tidigare stand-up Pollak inte är den mest uppenbara presidenten i filmhistoria, är han förvånansvärt bra och passar karaktären - en judisk VP oväntat upphöjd till den stora platsen av den tidigare död av chefschefen. Men tyvärr är filmen mestadels en misslyckande, främst på grund av ett övertygande stödjande skådespelare, särskilt Sean Astin, upptäckt av en ludikös getter, som en rasist i småstaden och en allt mer dum plott. Saker når äntligen en topp med slutet, som inte bara är moraliskt mycket tvivelaktigt (och inte riktigt på ett medvetet sätt), utan också ett komplett berättande fusk. Det är inte ointressant, men du är bättre på att hålla fast vid 'Fail Safe.' [C-]

“Dial M For Murder” (1954)
Okej, så vi ’; lurar lite här eftersom filmen har ett par sekvenser utanför Margot (en lysande som vanligt Grace Kelly) och Tony (Ray Milland), men vi kommer att förbise det som “; Dial M For mord ”; är ett annat spännande “; perfekt mord ”; kapris från Hitchcock. Du förstår, Tony har upptäckt att Margot har varit i en affär med den kriminella skribentförfattaren Mark (Robert Cummings) och rungat av förargelse och svartsjuka han planerar att få henne dödad. Han arrangerar en utarbetad komplott som inkluderar utpressning av Swann (Anthony Dawson), en gammal Cambridge-alumnus, för att göra gärningen: Swann kommer att vänta bakom draperier en kväll när Margot garanteras vara hemma, och Tony kommer att ringa huset. När hon går för telefonen kommer Swann att dyka upp och döda henne. Som vanligt verkar uppsättningen ogenomtränglig men en serie otur och misstag ger naturligtvis planen som snurrar ut ur kontrollen. Hitchcock drar än en gång av ett underverk och tar en berättelse som på papper handlar om försenade samtal och felaktiga nycklar och gör det till en verifierbar spikbitar. Spännande lyckas han också få publiken att sympatisera (något) med Tony; eftersom planen uppenbarar kan du inte hjälpa dig att känna ett lust av synd för killen. Filmen är också anmärkningsvärd för att inte bara vara Hitchocks andra form i färg utan också 3D. Det är ingen överraskning att användningen av 3D här är distraherande (men ärligt talat, inte sämre än samma typ av “; in-your-face ”; antics som fortfarande händer idag), men regissörens färgbruk (se Kelly ’; ; s klänningsfärgändring när hon & Tony och Mark) är noggrant genomtänkt. Lite svag och överförklarad i början (den är ju baserad på en pjäs), filmen piskar verkligen i form när plottet har kommit i rörelse och som vanligt tar den glädjen dig ur sin begränsade miljö. [B]

'1408' (2007)
“; Jag varnade dig för 1408, ”; Samuel L. Jackson ’; s gåtfulla Dolphin Hotel chef Olin bommar i riktning mot Mike Enslin (John Cusack), fångad i det förment bedevileda hotellrummet i denna filmiska inkarnation av Stephen King’; s novelle med samma namn. Konceptet är väldigt enkelt - Enslin, en framgångsrik författare som försörjer sig på förmodligen spökade platser, tar på sig Dolphin Hotel ’; s beryktade rum 1408 för sitt nästa uppdrag. Genom att bortse från bedömningen av Mr. Olin, sätter Enslin sig in i 1408 och inser snabbt att han ’; s väl över huvudet - förmodligen runt tiden den vansinnigt läskiga placeringen av 'We've Only Just Begun' av The Carpenters sprider tystnaden i det rikliga- stor bostadsyta. Regissör Mikael Håfström använder specialeffekter sparsamt men mycket effektivt och skapar den oförutsägbara metamorforsen i rummet som inkluderar en helt fantastisk scen med bokstavlig verklighet som krossas mot slutet av filmen. Cusack är mestadels på egen hand som Enslin och han levererar en överraskande uppmätt prestanda som bankar fruktigt på hans skadade mänsklighet. Enslin är på många sätt en stor kandidat för 1408, med sin egen andel av känslomässigt bagage, kan andarna som innehar rummet låsa upp och juice för maximal psykologisk skada. Även om det inte är särskilt minnesvärt, '1408 ”; är skickligt riktad och ett nöje att ta in och skaka och skaka vid lämpliga stunder. [B +]

“Hunddag eftermiddag” (1975)
Inte mycket mer behöver sägas om Sidney Lumets fantastiska heistfilm, “; Hunddag eftermiddag, ”; men vad ett annat genialt slag för att bygga spänningar genom att skapa bilden som en böjd heist där tjuvarna fångas inuti en varm eftermiddag i New York City (OK, det är baserat på en sann historia, men ändå). Filmen får det mesta av sin körsträcka från sina två leder, den maniska och lemlösa Al Pacino som spelar den tvåfaldiga förloraren Sonny på sin mycket finaste och skrämda och dumma Sal (en underbart dum John Cazale). Jobbet är bara tänkt att vara ditt genomsnittliga bankjobb i Brooklyn, men på grund av en komedie av fel, allt går fel, polisen anländer och odugliga brottslingar över deras huvuden tvingas ta gisslar och hål i inne hoppas borgmästaren kommer att uppfylla deras krav. Volatiliteten eskalerar när situationen sträcker sig medan polisen (en utmärkt Charles Durning) försöker förhandla med den kvicksiliga och svettiga bankrånaren, tydligt på kanten. Senare (spoiler om du inte har sett, och varför inte är det?), Lär vi oss varför Sonny är så nervös; hans älskare (Chris Sarandon) försöker prata honom ur rånet och vi upptäcker att makanerna bakom brottet är motiverade av Sonnys önskan att få honom till en sexbyteoperation. Det är en fascinerande twist till en klassisk och skrovlig nagelbiter. [A]

Honorable Mentions: Eagle-eyed bland kanske har lagt märke till några luckor här, främst involverade filmer som är helt på tåg. Men med 'Ostoppbar' på väg sparar vi dem för en spårbunden funktion nästa vecka, så var tålamod. Annars finns det några filmer som är värda att nämna, även om de avviker från sin enda plats lite för mycket för att inkluderas här. Polanskis 'Hyresgästen' är ett mindre verk från regissören, men inte ointressant, och släpps ner av den centrala föreställningen - i detta fall Polanski själv. Den häpnadsväckande ”ryska ark” med enastående roll är en extraordinär prestation i filmskapande, även om den ibland känns mer som en konstinstallation än en verklig film. Och Lars Von Triers 'Dogville' och 'Manderlay' är båda utmärkta, även om inställningen på en enda plats är en Brechtiansk föreställning, snarare än ett riktigt inträde i genren.

Annars ligger Duncan Jones 'sci-fi 'Moon' mestadels i rymdstationerna, även om det ibland gör utflykter till månens yta. På samma sätt är både 'Sunshine' och 'Das Boot' helt inställda i rymdskepp / ubåtar, men platserna är tillräckligt stora för att de inte riktigt kvalificerar sig, och Kevin Smiths 'Clerks' sträcker sig till två olika platser och gatan överbryggar dem . I år såg två andra thrillrar som inte tappade långt ifrån en enda plats. Den ena, ”The Disappearance Of Alice Creed,” var roligt snodd, otäck och väl agerad, den andra, M. Night Shyamalan-producerade ”Devil”, var ... inte. Slutligen hade ingen sett Frank Capras “Arsenik och gammalt spets” nyligen nog för att skriva upp det, och även om det är svag på ett sätt som, säger ”Rope” inte är det, är det fortfarande värt att kolla in om våra bleka minnen från det är korrekt.

1940 hitchcock-film

- Mark Zhuravsky, Jessica Kiang, Katie Walsh, Tan Nguyen, Kevin Jagernauth, Oli Lyttelton, Rodrigo Perez



Top Artiklar

Kategori

Recension

Funktioner

Nyheter

Tv

Toolkit

Filma

Festivaler

Recensioner

Awards

Box Office

Intervjuer

Clickables

Listor

Videospel

Podcast

Varumärkesinnehåll

Priser Säsong Spotlight

Filmbil

Påverkare